Bildende Kunst

Inhaltsverzeichnis: Bildende Kunst
23. April 1996
Die Wende von der Tradition zur Moderne 310.html
Der Expressionismus (1885 - 1930) 310.html
Ursprünge des Expressionismus 310.html
Sensualistischer Expressionismus 310.html
Die Pariser "Fauves" 310.html
Die "Peintres maudits" 310.html
Die Dresdner "Brücke" 310.html
Synästhetischer Expressionismus 310.html
Nachklänge des Expressionismus 310.html
Der Kubismus (1907 - 1915) 310.html
Präkubismus 310.html
Analytischer Kubismus 310.html
Entstehung der Collage 310.html
Sythetischer Kubismus 310.html
Orphischer Kubismus 310.html
Kubische Plastik 310.html
Der Realismus (1920 - 1933) 310.html
Die Neue Sachlichkeit 310.html
Faschistischer Realismus des Dritten Reiches 310.html
Sozialistischer Realismus 310.html
Tendenzen moderner Kunst 310.html
Die Dada - Bewegung 310.html
Der italienische Futurismus 310.html
Dada 310.html
Zürich - Dada 310.html
Die New Yorker Dada - Bewegung um Duchamp 310.html
Dada in Berlin, Hannover und Köln 310.html
Neo - Dada 310.html
Techniken der Materialkombination 310.html
Identifikation von Kunst und Idee 310.html
Aktionen und Räume 310.html
Environment 310.html
Typografisch - lettristische Bildpoetik 310.html
Der Surrealismus 310.html
Pittura Metafisica 310.html
Manifestationen des surrealistische Programms 310.html
Automatismus 310.html
Die paranoische Geisteskritik 310.html
Mythischer Surrealismus 310.html
Phantastischer Realismus 310.html
Surreale Konstruktion 310.html
Die abstrakte Kunst 310.html
Grundlagen 310.html
Reduktive Abstraktion 310.html
Die russischen Wegbereiter einer gegenstandslosen Kunst 310.html
Suprematismus 310.html
Begründung des Konstruktivismus 310.html
Anfänge einer kinetischen Kunst 310.html
Die Stijl - Bewegung 310.html
Das Bauhaus 310.html
Konkrete Abstraktion 310.html
Konstruktive Abstraktion 310.html
Die chromatische Farbfläche des Hard - Edge 310.html
Signalkunst 310.html
Ars accurata 310.html
Op Art 310.html
Licht - Bewegung - Raum 310.html
Minimal Art und Land Art 310.html
Dynamik der offenen Geometrie 310.html
Lyrische Abstraktion 310.html
Der Malprozeß als spontane Intuition 310.html
Kalligrafische Abstraktion 310.html
Farbgestische Abstraktion 310.html
Abstraktion der genetischen Figuration 310.html
Magische Abstraktion 310.html
Semantische Abstraktion 310.html
Artifizielles Informel 310.html
Die Vermittlung zwischen Struktur und Sensibilität 310.html
Die expressiv - abstrakte Plastik 310.html
Neue Figuration 310.html
Genese der Pop Art 310.html
Amerikanische Hard - Core - Pop Art 310.html
Englische Pop Art 310.html
Engagierte Post - Pop Art und Neuer Realismus 310.html
Magischer Realismus 310.html
Neue Tendenzen des Sozialistischen Realismus in der DDR 310.html
Hyperrealismus 310.html
Kunst als politisches Engagement 310.html
Idee als Kunst 310.html
Concept Art 310.html
Prozeßdemonstration 310.html
Distanz durch Ironie 310.html
Idee - Licht - Zeichen 310.html
Individuelle Mythologie 310.html
Spurensicherung 310.html

1. Kapitel
Der malerische Realismus

Der malerische Realismus ()

Die Malerei trat in Konkurrenz zur erst vor kurzem erfundenen Fotografie.
Gustave Courbet (1819 - 1877: französischer Maler, Hauptmeister des Realismus) wollte wie Ferdinand Georg Waldmüller nur die Natur darstellen, aber er betrachtete sie durch eine vergröbernde "Brille", d.h. mit dem Auge des Malers, der sie aus Farbflächen und Farbflecken zusammengesetzt sieht, und begründet damit den "malerischen Realismus". C. ging es nicht um den malerischen Realismus allein. Wenn es sich nicht um Landschaft, Stilleben und seine meisterlichen Darstellungen des Meeres handelte, griff der Künstler seine Motive aus dem ärmlichen Milieu des Volkes und dem damals bereits existierenden Proletariat, mit dem er sympathisierte. C. ist kein Biedermeiermaler und hat nicht die geringste Absicht, zu rühren oder zum Schmunzeln zu bringen; stumm demonstrieren seine ernsten und meist großformatigen Bilder die Schwere des Lebens der sozial tiefstehenden Schichten. das traf das Großbürgertum an einer sehr empfindlichen Stelle, und es dauerte lange, bis seine Bilder Aufnahme im Salon[1] fanden. Als dem endlich anerkannten Meister 1870 Frankreichs höchste Auszeichnung, das Kreuz der Ehrenlegion, verliehen wurde, lehnte er es ab.
Jean Francois Millet (1814 - 1875: franz. Maler, der das bäuerliche Genre heroisierte) malte die Bauern, Honoré Daumier (1808 - 1879: Altmeister der Karikatur; seine düsterfarbigen, monumentalen Ölbilder fanden zu seiner Zeit keine Interessenten) die armen Teufel in den Städten. Bekannter wurde er durch seine hervorragenden Karikaturen, die der ständig in Geldnot befindliche Meister für zwei Pariser Zeitungen lieferte.
Weitere Maler:
Adolf Menzel: (1815 - 1905): bedeutendster deutscher Historienmaler und Graphiker, der dem malerischen Realismus nahestand und teilweise (in seinen Skizzen) den Impressionismus vorwegnahm. Malt schon 1875 ein Eisenwalzwerk, ist aber als "Historiker" Friedrichs des Großen bekannt und berühmt geworden.
Carl Spitzweg (1808 - 1885): Münchner Genremaler.
2. Kapitel
Impressionismus

Impressionismus ()

Die Impressionistengruppe trat 1874 in Paris mit einer Ausstellung in den Räumen des berühmten Fotografen Nadar an die Öffentlichkeit. Die jungen Maler fanden beim Publikum jedoch keinen Anklang und wurden verlacht und verhöhnt. Ein Journalist bezeichnete sie nach einem Bild Claude Monets (1840 - 1926; franz. Maler und konsequentester Verfechter des Impressionismus), dessen Untertitel "Impression" lautete, als "Impressionisten". Drei Jahre später nahmen sie diesen Namen offiziell an, doch Anerkennung und Käufer ließen lange auf sich warten. Erst um die Mitte der 90er Jahre trat die entscheidende Wende ein; aber zu dieser Zeit zerfiel die Gruppe bereits, und einige ihrer Mitglieder beschritten schon neue Wege.
Monet und Pierre Auguste Renoir (1841 - 1919; franz. Maler, Hauptmeister des I., der sich hauptsächlich figuralen Motiven zuwandte) begannen als Realisten, bevor sie Impressionisten wurden. So suchten sie dann nach dem unmittelbaren, ursprünglichen Gesichtseindruck und verzichteten bewußt auf alles Wissen um die Dinge (Eigenfarben, Stofflichkeit, Schwere u. dgl.). Das Bild soll nur die Rekapitulation (Wiedergabe) der auf der Netzhaut entstehenden Farbempfindungen sein. Der Künstler ist nicht bestrebt, Gegenständliches zu isolieren, was erst Aufgabe der Wahrnehmungszentren im Gehirn ist, die dazu des Gedächtnisses bedürfen. Die flüchtige, sich kaum irgendwo zu fester Kontur verdichtende Stricheltechnik (impressionistische Kommastruktur) kommt dem flüchtigen, unreflektierten Seherlebnis tatsächlich am nächsten und entspringt nicht einem zeichnerischen Unvermögen, was man den Impressionisten häufig zum Vorwurf machte. (Bsp.: "Die beflaggte Rue Montageuil", Monet).
Fast alle Impressionisten malten Landschaften, besonders gern die Seine in und um Paris. Die Darstellung der sich ständig in Bewegung befindlichen Wasseroberfläche faszinierte sie, nicht minder aber das Spiel des Lichts im sonnendurchfluteten Laubwerk.
Monet verfolgte seine Weg mit äußerster Konsequenz. In seinem Bestreben, visuelle Erscheinungsbilder korrekt wiederzugeben, malte er Serienbilder, die dem wechselnden Stand der Sonne Rechnung trugen. Die Fassade der "Kathedrale von Rouen" malte der Künstler zu allen Stunden des Tages.
Renoir malte Szenen aus dem Pariser Gesellschaftsleben ("Le Moulin de la Galette") und sogar Porträts.
Edgar Degas (1834 - 1917: franz. Hauptmeister des Impressionismus, der neben der Ölmalerei auch die Pastelltechnik[2] einsetzte) ist nur bedingt der Impressionistengruppe zuzurechnen. Seine Frühwerke folgen der akademischen Tradition. Rennplatz und Bühne liefern den Stoff für seine figuralen Bilder, die häufig in Pastelltechnik ausgeführt sind.
Auch Henri de Toulouse - Lautrec (1864 - 1901: franz. Maler und Meister der Farblithographie) benutzte die Kommatechnik der Impressionisten, die er allerdings wie Degas in ein strenges zeichnerisches Gerüst spannte. Der aus einem vornehmen französischen Adelsgeschlecht stammende Künstler behielt nach einem Reitunfall in der Kindheit verkrüppelte Beine und schlug sich auf die Seite der Außenseiter und Ausgestoßenen der Gesellschaft. So begegnen wir in seinen Bildern häßlichen, verlebten Typen in obskuren Vergnügungsetablissements, umgeben von leichten Mädchen und Dirnen. Mit seinen Farblithos für das berühmt - berüchtigte Pariser Nachtlokal Moulin Rouge wurde er zum Vater des modernen Plakats.

Die Plastik zu dieser Zeit

Ein Künstler ragt aus seiner Epoche hervor und erwarb sich internationalen, wenn auch zu seiner Zeit sehr umstrittenen Ruhm: Auguste Rodin (1840 - 1917: franz. Bildhauer. Der Künstler arbeitete lange in einer Porzellanmanufaktur und als Gehilfe eines Bildhauers, bevor er 36jährig als freischaffender Meister an die Öffentlichkeit trat. Trotz Anerkennung stieß der Künstler immer wieder auf Unverständnis und auf Ablehnung. Seine "Bürger von Calais" konnten erst zehn Jahre nach ihrer Vollendung aufgestellt werden. Die Auftraggeber erwarteten eine der üblichen, von Patriotismus und Heldenmut strotzende Darstellung, doch Rodin bringt an den in Büßerhemden zur Hinrichtung Schreitenden verschiedene seelische Reaktionen zum Ausdruck, die von mutiger Entschlossenheit bis zu völliger Verzweiflung reichen. Die menschlich und realistisch aufgefaßte Gruppe wollte der Künstler ohne Sockel aufstellen lassen. Sie sollte als Beispiel wahren Heldentums auf dem Boden der Wirklichkeit verbleiben, doch erst im Jahre 1924 konnte Rodins ursprünglicher Aufstellungsplan realisiert werden. "Der Kuss", eine schön und edel geformte Gruppe, erregte Anstoß beim prüden Publikum, weil sich zwei Menschen nackt umarmen.
Rodins Kunst gehört noch dem Realismus des 19. Jhdts an. Der Künstler hat schonungslos Häßliches dargestellt, und wenn seine Figuren schön sind, so besitzen sie die natürliche Schönheit und nicht die eines klassisch - kühlen Ideals.

Der Weg zur modernen Architektur und Formgestaltung

Erarbeiten: Moderne ArchitekturAlexandre Gustafe Eiffel (1832 - 1923: französischer Ingenieur und Brückenkonstrukteur)
Louis Henri Sullivan (1856 - 1924: amerikanischer Ingenieur, Begründer der Chikagoschule, die eine streng sachliche Richtung in der Architektur vertrat.)
Otto Wagner (1841 - 1918: Wiener Architekt, bis 1890 im Fahrwasser des Historismus (Kursalon im Stadtpark), wurde danach zum weltberühmten Bahnbrecher der modernen Architektur. Hauptwerke: Stadtbahnbauten, Postsparkasse, Kirche am Steinhof (1904 - 1907))
3. Kapitel
Jugendstil

Jugendstil (1890 - 1910)

Begriff

Der Jugendstil (auch "Art Nouveau" oder Sezessionsstil genannt) unternimmt im wesentlichen den Versuch, eine zeiteigene Ornamentik zu schaffen. Trotz seiner Kurzlebigkeit ist der ganz Europa erfassende Jugendstil von größter Bedeutung, weil er die historisierenden Formen überwand. Er setzte an deren Stelle ein extravagantes kurviges Linienspiel, das an pflanzliche Formen erinnert (florale Richtung) oder ungegenständlich ist (abstrakte Richtung). Bevorzugtes Material: Das biegsame Eisen eignete sich besonders gut für das Kurvenspiel des J.
In Wien, einem der bedeutendsten Zentren des Jugendstils, bewirkte der Einfluß des Wagnerschülers Josef Hoffmann (1870 - 1956; öst. Architekt, Schüler von Otto Wagner, Begründer der Wiener Werkstätten) eine strengere Variante, bei der dem Quadrat eine besondere Bedeutung zukam. Die Beschränkung auf den noblen Schwarzweißkontrast unterstrich noch die puristische, rational - ästhetische Note der Wiener Sezessionskunst. Hoffmanns berühmtester Bau, für den er auch die Innenausstattung entwarf, steht in Brüssel ("Speisezimmer im Palais Stoclet").
Zu den bedeutendsten Leistungen Hoffmanns gehört die Errichtung der "Wiener Werkstätten (1902), in denen nach englischem Vorbild künstlerisch vollendeter Hausrat hergestellt wurde und die in ihrem 70jährigen Bestehen Weltruf erlangten. Natürlich blieb auch Wien nicht frei von den überschwenglichen Formen des Jugendstils. Während sich Wagner schon bald vom Jugendstil löste und in seinem Spätwerk zu fast schmuckloser Fassadengestaltung überging, vergaßen die von ihm ausgebildeten Architekten über ihrem erfindungsreichen Dekorationsspiel oft die von ihnen selbst propagierte Materialgerechtheit und Zweckmäßigkeit.
Wien besitzt in dem von Josef Maria Olbrich (1867 - 1908; öst. Architekt, Schüler Otto Wagners, nach seiner Wiener Zeit hauptsächlich in Darmstadt tätig) für die Wiener Secession (Abspaltung einer Künstlergruppe von einem bestehenden, der Tradition verhafteten Künstlerverband. Die Bezeichnung ist jedoch nur im deutschen Sprachraum üblich. Die erste "Sezession" entstand in München (1892), Wien folgte 1897 unter der Führung von Klimt, dann Berlin (1899)) errichteten "Ausstellungsgebäude am Naschmarkt" (1898) ein repräsentativer Bauwerk des Jugendstils. Der kubische, nur spärlich mit Jugendstildekoration verzierte Bau kündigt bereits die moderne Baugesinnung an, obwohl die Symmetrie noch zu ihrem Recht kommt und eine Kuppel den Bau bekrönt (von den Wienern respektlos "das goldene Krauthappel" genannt).
Lineament und Dekorationsfreude des J. zeigen sich bisweilen auch in der bildenden Kunst. Wien besaß in Gustav Klimt (1862 - 1918) einen bedeutenden Meister der Jugendstilmalerei. Keine natürlichen Umrißlinien, sondern die eigenwilligen, spannungsreichen Kurven des Jugendstils konturieren den "Kuss", eines seine bekanntesten Werke.
Gustav Klimt: Führte zunächst, unter dem Einfluß Makarts und des Historismus stehend, Wand - und Deckengemälde aus (Wien, Kunsthistorisches Museum). Von 1898 an entwickelte er seinen neuen Stil, der ihn zum Hauptvertreter der österreichischen Jugendstilmalerei machte. Seine aufsehenerregenden Deckengemälde - Entwürfe für die Wiener Universität (1900 - 1903) fanden nicht den Beifall des Publikums. 1904 trat er aus der von ihm mitbegründeten Sezession aus und malte zurückgezogen und von seiner Umwelt größtenteils unverstanden symbolistisch - allegorische Kompositionen, zahlreiche Damenporträts und impressionistisch - dekorative Landschaften. "Der Kuss" (1908)

4. Kapitel
Der Expressionismus

Der Expressionismus (1885 - 1930)

Ursprünge des Expressionismus

Die Gedächtnisausstellungen Seurats (1900), van Goghs (1901), Gauguins (1903) und die von 1900 an einsetzende Entdeckung Cezannes waren für die jungen Maler zu Beginn unseres Jahrhunderts von entscheidender Bedeutung.

Der Expressionismus

Fauvismus

Eine um Henri Matisse (1896 - 1954: franz. Maler, Hauptmeister des Fauvismus) gescharte Gruppe erschreckte das noch kaum an den Impressionismus gewöhnte Publikum durch ihre subjektive Farb - und Formgebung so sehr, dass man sie les fauves[3] nannte.
Wie bei den Impressionisten umfaßt auch das Repertoire der Fauvisten Landschaft, Stilleben und Figurales, doch fühlten sie sich weniger dem äußeren Erscheinungsbild verpflichtet und verfuhren bei der Farbgebung oft weitgehend subjektiv.
Ansatzpunkt für Matisse (und seine Kollegen) waren der flächige Farbauftrag Gauguins, die reinen, ungebrochenen Farben Seurats und Signacs und die expressive Spontaneität van Goghs. Nur dienen sie ihm nicht zur Naturreproduktion, sondern repräsentieren das Ergebnis einer ästhetischen Rechenoperation, die der Künstler an der Wirklichkeit vorgenommen hat. Matisse hat bis zu seinem Tode (1954) das fauvistische Prinzip, "wohltuend Auffälliges" mit Hilfe von Linien, Mustern und Farbe zu produzieren ("einen Lehnstuhl für die Augen", wie er es ausdrückte), beibehalten, ohne das Gegenständliche auszuscheiden. Die Plakatkunst verdankt dem Meister, der selbst Plakate geschaffen hat, entscheidende Anregungen.

Expressionismus

Als Expressionismus wurden 1911 erstmals ziemlich wahllos alle nichtimpressionistischen und nichtnaturalistischen Kunstströmungen bezeichnet. Heute verstehen wird darunter eine Kunstrichtung, die innere Spannungen, starke Affekte und Gefühle sichtbar machen will. Die expressionistische Komponente ist schon im Werk van Goghs und Gauguins unverkennbar, von großer Bedeutung für den deutschen Expressionismus war jedoch der Einfluß des norwegischen Malers und Graphikers Edvard Munch (1863 - 1944: norwegischer Maler und Graphiker. Ausgehend von van Gogh und Gauguin fand der Künstler zu einer symbolisch - expressionistischen Gestaltungsweise, die auch Elemente des Jugendstils enthält.). Als Munch zum erstenmal in Berlin ausstellte, kam es zum Skandal, aber seine Werke begeisterten die jungen Maler, die sie vom Akademismus und Naturalismus der Künstlervereinigungen in der Sezessionsbewegung[4] befreiten.
Munchs Bilder behandeln die Themen Tod, Einsamkeit, Melancholie und Liebe als lebensbedrohende, Leiden schaffende Mächte. Geballte Formen, Verzicht auf ablenkende Details und eine kontrastreiche, düster - glühende Farbgebung verleihen seinen Bildern einen unheimlichen, bedrückenden Ausdruck. Stärker als seine Gemälde beeindrucken uns heute seine Radierungen, Lithographien und Holzschnitte.

Die Dresdner "Brücke"

Was man im engeren Sinn unter Expressionismus versteht, setzt in Deutschland mit der Künstlervereinigung die "Brücke" ein (1905). Ihr gehörten bis zu ihrer Auflösung (1913) die bedeutendsten Maler des deutschen Expressionismus an. Die Brücke gründeten 1905 Ernst Ludwig Kirchner (1880 - 1938), Erich Heckel (geb. 1883) und Karl Schmidt - Rottluff (geb. 1884). Bald stieß Max Pechstein (1881 - 1955) hinzu, zuletzt Otto Mueller (1874 - 1930). Emil Nolde gehörte ihr von 1906 - 1907 an.

Expressionismus

Das Programm des deutschen Expressionismus lässt sich nicht so klar umschreiben wie das des Fauvismus. Er bezog seine Anregungen zunächst von van Gogh und von Munch, von 1908 an von den Fauvisten, ließ sich aber auch von der Kunst der Naturvölker beeindrucken. Durch Formvereinfachung und reine Farben suchte er starke Empfindungen auszudrücken. Dabei musste die wie bei den Fauvisten subjektiv entwickelte Bildordnung beunruhigende Spannungsmomente aufweisen, die sowohl im formalen Bereich (Hart brechende Linienzüge, Kontraste, Schockfarben) als auch durch eine emotionell ansprechende Thematik erzeugt wurden.
In Österreich verfolgten Oskar Kokoschka
(geb. 1886): österreichischer Maler, Graphiker und Dichter. Der Künstler ist nur bedingt dem Expressionismus zurechenbar, dem er sich 1908 zuwandte. Neben seinem berühmten Stilleben mit dem toten Hammel malte er auch interessante Porträts, die mit einer dramatisierten impressionistischen Technik das Psychische hinter dem menschlichen Antlitz sichtbar machen. Auf seinen zahlreichen Reisen entstanden impressionistische - expressionistische Landschafts - und Städteporträts von starker Wirkung. Nach dem 2. Weltkrieg widmete er sich großformatigen allegorischen Kompositionen.
und Egon Schiele (1890 - 1918: österreichischer Graphiker und Maler. Seine in nervösen kalligraphischem Strich ohne Korrektur hingesetzten Zeichnungen gehören zu den bedeutendsten Leistungen der Zeichenkunst.) ähnliche Ziele wie der deutsche Expressionismus.
Weitere Künstler:
Herbert Boeckl (1894 - 1966): Der aus Klagenfurt stammende österreichische Künstler studierte an der Wiener Technischen Hochschule Architektur und bildete sich selbst zum Maler aus. Seine Malerei ist starkfarbig und großformig, dem Expressionismus ebenso wie der Farbkultur Cézannes verpflichtet. Nach dem 2. Weltkrieg setzten sich in seinem Werk einige aus den moderneren Kunstrichtungen stammende Akzente fest, ohne es im Grunde wandeln zu können. Diese Entwicklung machte einige seiner späteren Werke (Seckauer Fresken) umstritten. Von 1935 bis zu seinem Tode war Boeckl Professor an der Wiener Akademie.
Alfred Kubin (1877 - 1959): Der in Böhmen geborene Künstler unternahm in seiner Jugend zahlreiche Reisen und geriet (1911) auch in Kontakt mit dem Blauen Reiter. In seinen reifen Jahren schuf der Künstler nur mehr (bisweilen kolorierte) Federzeichnungen. Kubin war auch ein hervorragender Illustrator.
5. Kapitel
Der Kubismus

Der Kubismus (1907 - 1915)

Begriff

Richtung der modernen Malerei; Kunst, die die Naturformen in kubisch - geometrische Partikel auflöst.

Präkubismus

Der Kubismus ist eine Erfindung von




Der KubiSMUS28 ist eine Erfindung von PICASSO29 und von BPAQUE30. Wäh rend Braque aus dem Kreis der Fauvisten kam, stand Picasso zunächst irn Bann Toulouse - Lautrecs und malte in kühlen Blautönen (blaue Periode, 1901 - 1904) kränklich und verhärmt aussehende Frauen, Küider und Greise. Ein paar Jahre später wurde seüie Palette zwar freundficher (rosa Periode, 1905 - 1907), aber die Harleküie, Gaukler und Akrobaten umgibt noch inuner eüie Atmosphäre trauriger, hdfloser Verlorenheit.

Picassos SEILTÄNZERFAMILIE, ein Werk aus seiner rosa Periode, befindet sich in einer nicht weiter bestinunbaren, öden Gegend. Keine der Figuren bekommt wirklich Kontakt mit einer anderen, eigentlich gehen alle Blicke üis Leere, auch wenn sie @u@ einen Partner gerichtet zu sein scheinen. jeder blickt in sich, sinnt und denkt nach - vielleicht über die ungewisse Zukunft ihres heimatlosen Außenseiterdaseins. Als Spaßmacher im bunten Kleid des Narren bzw. nüt Flitter und Tand aufgeputzt, wirken sie ausgesetzt in einer kahlen und leeren Welt.
Der Kubismus kündigt sich bei Picasso schon 1907 an, als er nach dem Studium afrikanischer Skulpturen - deren blockartige Struktur ihn faszinierte - zu den "Demoiselles d'Avignon" angeregt wurde. Braque, selbst im Begriffe, sich vom Fauvismus abzuwenden, sah dieses Bild und malte 1908 gemeinsam nüt Picasso die ersten kubistischen Bilder, Lands chxften aus Südfr@eich, deren verblockte Formen eüie krista12rusenartige Struktur bilden. Dabei hat sich sicherlich der Einfluß C6zannes ausgewirkt (Gedächtnisausstellung von 1907), in dessen 13fldem die kubische Existenz aller Dinge bereits akzentuiert wurde. Nach diesen ersten Versuchen entwickelte sich der analvtische KubA'qmt3S1 der vorzuzsweise Stilleben für seine künstlerischen Experimente heran -

zog.
Beim analytischen Kubismus verliert die Farbe ihr NEtspracherecht, er beschränkt sich auf graubraune und grüraiche Farbtöne. Die formalen Gegebenheiten stammen wohl aus der Objektwelt, werden aber in (meist) geradlüüg begrenzte Partikeln (Kuben) zerlegt, die zum Aufbau einer geschichteten Struktur von schwach räun - dicher Wirkung dienen. Dazwischen lässt sich noch Gegenständliches erkennen (Braque, STILLEBEN MIT VIOLINE UND KRUG), in Ansichten, die aus verschiedenen Blickwinkeln aufgenommen wurden. Unsere visuellen Erfahrungen kon - unen auf ähnliche Weise zustande. Wir nehmen von einem Dülg nur dieses und jenes wahr, ohne in der Regel eüi komplettes, reproduzierbares Bild zu besitzen. im analytischen Kubismus wird die naturalistische "Ansicht" zu einem Vorstellungsbüd, das Gesehenes



28 Kub - ism - us: Richtung der modernen Malerei; Kunst, die die Naturformen
in kubisch - geometrische Partikel auflöst.
29 PABLO PICASSO (eig. Ruiz y Picasso; 1881 - 1973): spanischer Maler,
Graphiker, Bildhauer und Keranüker
30 GEORGEs BRAQUE (1882 - 1963): französischer Klarer und BHdhauer

6. Kapitel
Bildende Kunst nach 1945

Bildende Kunst nach 1945

Die bildende Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg

Kunstzentrum blieb New York: viele hatten in diese Stadt emigrieren müssen und kehrten nicht mehr nach Europa (Paris) zurück.
Wie in der ersten Jahrhunderthälfte gibt es auch in der zweiten viele Richtungen, aber keinen Stil.

Die Aufzeichnung der Geste

In New York gab es schon Anfang der zwanziger Jahre eine progressive Künstlergruppe unter der Führung Marcel Duchamps, die der Dadabewegung in Europa gleichkam. Wie diese mündete auch sie in den Surrealismus, vor allem, weil der @Großteil der Surrealistengruppe in New York eine neue Wirkungsstätte gefunden hatte und den jungen einheimischen Künstlern entscheidende Anregungen vermittelte.
Jackson Pollock [Jackson Pollock (1912 - 1956): amerikanischer Maler, Hauptvertreter des Action - painting (Tachismus)] wurde zum konsequentesten Verfechter einer Ende der vierziger Jahre in New York entstehenden Richtung, bei der der Malvorgang nicht mehr von der Bildvorstellung, sondern von einer unbewußt bleibenden Ausdrucksgestik gesteuert wurde. Kurz nach Kriegsende malte er die ersten Bilder, die nichts als "choreographische" Aufzeichnungen seiner spontanen Bewegungen darstellen. Ihre (mehrere Quadratmeter großen) Riesenformate waren nötig, damit der Künstler sich ungehemmt (durch einen begrenzenden Bildrahmen) "gehen lassen" kann. Seine Bilder enden mit der Malaktion und wurden (bisweilen) nachträglich auf einen Ausschnitt reduziert.
Pollocks Arbeitsweise bestand darin, dass er aus durchlöcherten Dosen, die er umherschwenkte, Farben auf auf dem Boden liegende Leinwände rinnen und tropfen ließ ("dripping", "Bild 1948"). Bisweilen vermalte er die Farben, in die er auch Sand und Glassplitter mischte, mit Stock, Messer, Maurerkelle und Anstreicherpinsel. Trotz der unreflektierten malerischen Manipulationen sind die Werke Pollocks keine Zufallsprodukte, weil der Künstler - der im wahrsten Sinn des Wortes "im Bilde" war - in jeder Arbeitsphase entschied, ob er den erreichten Zustand belassen oder verändern sollte.
Der "écriture automatique" (automatische Niederschrift), die Breton (1924) für die surrealistische Produktion gefordert hatte, kommt Pollock mit seinen absichtslosen Manipulationen noch näher als Miró, dessen figurale Bildvorstellungen doch ein gewisses Maß an bewußter Steuerung der Hand verlangten. Pollocks Malerei dagegen entstand als Aufzeichnung unbewußt gesteuerter Bewegungsfolgen und bildet im motorisch - bildnerischen Bereich das Gegenstück zur Niederschrift einer Assoziationskette. Dabei zeigt sich nun deutlich der Unterschied zwischen den viel unbekümmerter und radikaler die neuen Ideen aufgreifenden amerikanischen Malern und den der Tradition verhafteten europäischen Meistern, die sich mehr oder weniger mit der Illustration eines literarischen Surrealismus begnügten.
Die neue, auf den Malakt ausgerichtete Malerei besaß außerhalb des Surrealismus eine zweite Wurzel in der fernöstlichen Kalligraphie. Tobey [Tobey, Mark (geb. 1890): amerikanischer Maler, lebte von 1959 an in Basel. Zu seinen vom Schreibrhythmus und "handschriftlichem" Ausdruck geprägten Bildern wurde er durch die fernöstliche - stark dem Schrift - Bild verpflichtete - Schreibweise angeregt.] unternahm zu ihrem Studium eine Reise nach Japan und nach China und begann schon 1935 mit seiner "white writing" ("Weißschrift": mit vielen weißen zeichenähnlichen Gebilden bedeckte dunkle Leinwände), die nach seiner ersten Einzelausstellung (1944) dem Action - painting (s. Fußnote 5) wesentliche Impulse beisteuerte.
Die neue Art, "Bilder" zu erzeugen, konnte natürlich variiert werden, so dass man die Zusammenhänge oft übersieht. Reduziert man den Malakt Pollocks auf wenige, mit breitem Pinsel ausgeführte Züge, so ergibt sich die Art Klines [Kline, Franz Josef (1910 - 1962): amerikanischer Maler] ("Wanamakerblock" ), der sich bei seiner "Zeichengebung" (meist) folgerichtig von der Farbe distanziert und (fast) ausschließlich Schwarz einsetzt. In der Folge sprühten Künstler die Farbe sogar aus Pistolen auf die Leinwand oder berußten diese mit brennenden Kerzen (Fumage[6]). Auch die Umkehrung der seit dem Kubismus bekannten Collage, die Décollage[7], die aus der Zerstörung von Oberflächen hervorgeht, bewies ihre Eignung für derartige unbewußt verfahrende Materialaktionen.
Verschiebt sich bei der Aktion des Künstlers der Akzent von der Aktionsspur zur Demonstration der ästhetischen Komponente von Material wie bei den aus zerrissenen Säcken und von Fäulnis und Brand versehrten Hölzern arrangierten "Bildern" Burris [Burri Alberto (geb. 1915): italienischer Künstler, Autodidakt], so spricht man besser von Neo - Dada[8] ("Sack Nr. 5").
So verschieden die Endprodukte auch sein mögen, stets verdanken sie ihr Entstehen einem unbewußten Schaffensprozeß. Der Künstler erlebt dabei ein "Abenteuer des Machens", das endgültig "Zugelassene" soll den Beschauer durch seine "Machart" faszinieren. Dabei ergibt sich die Frage, welche Wirklichkeit bzw. welche Wirkungsweisen solchen Kunstprodukten zukommen. Sie sind letztlich die Realisation von etwas Neuem und Unbekanntem (Innovationen), die den Betrachter befremden, ohne eine dem Verstand begreifliche Sache zu werden. Wir können mit der ästhetischen Innovation zwar nichts anfangen, dafür fängt sie aber mit uns etwas an. Sie mobilisiert unsere Sinne im "Sinn" des Kunstschöpfers. Dabei bedeutet die Ausschaltung des Verstandes nicht, dass der Betrachter in einen Zustand romantischer Gefühlsseligkeit versetzt wird, sondern in jene tiefere, unterhalb des Bewußtseins liegende Zone, wo sich die Sinnesdaten in "Spürsinn" verwandeln, aus dem alle Erfahrung und alles Wissen zustande kommen.

Die Demonstration der Farbe

Eine zweite Gruppe der nach dem Zweiten Weltkrieg tonangebenden Amerikaner befreite die Farbe aus ihren gegenständlichen und formalen Verpflichtungen. Den entscheidenden Schritt tat Rothko mit seinen "Farbwänden". Rothko [Rothko, Marko (1903 - 1970): in Rußland gebürtiger, amerikanischer Maler, sein charakteristischer Stil formte sich 1947.] trägt auf kühl getönte Gründe wärmere Farbschichten[9] auf, die die riesigen Formate fast zur Gänze füllen ("Orange and yellow"). Die in unscharfe Ränder auslaufenden, annähernd rechteckigen, mitunter durch eine kontrastierende Linie getrennten Farbaufträge scheinen über dem Grund zu schweben. Die schwach räumliche Wirkung kommt durch das Farbklima zustande: wärmere Farben treten hervor, kältere zurück. Der Künstler will damit die Farben "rein" (d.h. ohne dass sie einem Ding oder einer Form anhaften) entgegentreten lassen. Da den Farben zweifellos stimulierende Wirkungen zukommen, ändert sich beim Betrachten der großformatigen, das ganze Gesichtsfeld des Betrachters beanspruchenden Farbaufträge Rothkos dessen Stimmungslage. Natürlich ist dazu ein "Versenken", d. h. ein Abschalten des Intellekts (der ständig auf Objekt - und Funktionserkenntis aus ist) notwendig, wozu nicht jedermann bereit ist. Betriebs - und Werbepsychologen machen längst von der stimulierenden Wirkung der Farben Gebrauch.
So verschieden die Arbeiten Pollocks und Rothkos auch erscheinen, der Wunsch ist ihnen gemeinsam, irgend etwas ohne Zuhilfenahme von Gegenständen und von formalen Gebilden auszudrücken. Man hat deshalb die amerikanische, unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg tätige Künstlergruppe "abstrakte Expressionisten" genannt. Das Ausdrucksphänomen bedient sich zweier Mittel, der Geste und der Farbe. Unbewußte Regungen (Zittern) sind für uns ebenso aufschlußreich wie das Erscheinen von Farben (Rotwerden). Subsumierte Bewegungsfolgen führen zu den vibrierenden Bewegungsstrukturen Pollocks, die auch der Farbe nicht entraten, die einfache Geste Klines wird zum monokolor aufgeschriebenen Zeichen (Symbol) einer unlesbaren, aber ausdrucksvollen Schrift. Rothko lässt uns die Farbe freischwebend im Raum entgegentreten.
Der abstrakte Expressionismus[10] beleuchtete wesentliche Aspekte des bis heute nur unzulänglich erforschten Ausdrucksgeschehens. Das Kunstexperiment hat stets wertvolle Anstöße zur Bewußtwerdung bislang iibersehener oder im Unterbewußtsein verbleibender Vorgänge und Erscheinungen gegeben, die die Wissenschaft erst nachträglich aufgegriffen und geklärt hat.

Die nach - malerische Abstraktion

Durch die spezielle Machart floß in den abstrakten Expressionismus einiges von Individualität und der Persönlichkeit des Künstlers ein, selbst bei den Werken Rothkos. Da der Farbausdruck auf die Geste verzichten kann, gehen die damit experimentierenden Künstler zur "Hard - edge - Malerei"[11] (hartrandige Malerei, Malerei mit schärfster geometrischer Konturierung) über, die man auch "Post painterly abstraction" (nach - malerische Abstraktion) genannt hat.
Um die ihrer Meinung nach völlig belanglose "Handschrift" auszuschalten, verteilten die Künstler der Hard - edge - Malerei ihre (meist starken, ungebrochenen) Farben fleckenlos und gleichmäßig in präzis konstruierte geometrische Schemata. Dabei wird die Leinwand eher gefärbt als bemalt, damit keinerlei materiale Farbwirkung (pastos, rissig, glänzend usw.) zustande kommen kann. Da geometrische Figurationen bereits maximale Abstraktionen aus der gegenständlichen Welt darstellen, wird auch jeglicher "dingliche Ballast" über Bord geworfen, damit die Farben "rein" (d. h. als Lichtempfindung) wirksam werden. Viele Werke der nach - malerischen Abstraktion, die vor allem in England Schule machte, erinnern an Signale.
Schon 1913 hatte Malewitsch, als er den Suprematismus kreierte, mit Hilfe der Geometrie eine "Reinigung" der Kunst von allen Assoziationen gefühlsmäßiger und gedanklicher Art herbeiführen wollen. Über Mondrian, De Stijl und die einschlägigen Farb - Form - Experimente des Bauhauses führen weitere Wege zur nach - malerischen Abstraktion, die dem Wirken des ehemaligen Bauhausmeisters Albers[12] viel verdankt, der nach seiner Emigration in die USA (von 1933 - 1948) eine bedeutende Lehrtätigkeit entfaltete. Die schematische, starre Hard - edge - Malerei ("White line square" ; "Huldigung an das Quadrat: Grüner Duft" ) kann als Reaktion auf das stark bewegte Action - painting verstanden werden; es dauerte allerdings eine geraume Weile, bevor sie sich durchsetzen konnte und zu Rang und Namen kam. Ad Reinhard[13], ein Albers - Schüler, malte ab 1954 eine Serie fast völlig schwarzer Bilder in quadratischem Format, die er in Los Angeles, in London und in Paris ausstellte. 50 Jahre früher hatte schon Malewitsch sein berühmtes "Schwarzes Quadrat auf weißem Grund" gemalt, von dem der Künstler möglicherweise beeindruckt wurde. Wenn Ad Reinhard den Betrachter vor eine schwarze, kaum Licht reflektierende Fläche stellt, wobei die (optischen) Sinnesempfindungen weitgehend ausbleiben, soll die psychische Befindlichkeit des Betrachters im Sinne eines aktiv spürenden Suchens aktiviert werden, wobei sich dann die kaum merklichen Figurationen aus dem schwarzen Grund lösen, die der Künstler dort "verborgen" hat.

Die Malerei in Europa

Gegenüber der amerikanischen Szene zeigt die europäische Kunst ein etwas uneinheitlicheres Bild. Einmal sind noch die Altmeister der modernen Kunst (Picasso, Braque, Matisse, Miró u. a.) am Werk, die noch immer einen Teil der jungen Künstlergeneration in Bann schlagen, jedoch - obwohl sie sich im Alter zum Teil noch klären und wandeln - für die neuen Kunstrichtungen keine entscheidenden Impulse liefern können. Die junge europäische Avantgarde schlug, teils unbeeinflußt, teils beeinflußt von der neuen Kunstmetropole New York, den gleichen Weg ein, doch war sie kompromißbereiter und beugte sich mehr oder weniger dem Gebot des traditionellen Kunsthandels, der nach wie vor Bilder als luxuriöse Schauobjekte an reiche Sammler verkaufen will.
Es entstanden in der "alten Kunstwelt" ästhetisch vielleicht ansprechendere, ihrer Demonstrationsabsicht nach aber nicht so überzeugende Werke, wie sie die Amerikaner lieferten. In vieler Hinsicht ist Mathieu [Georges Mathieu (geb. 1921): französischer Maler, der auch die ersten Ausstellungen der Amerikaner in Paris organisierte.] Pollock verwandt. Beide schlugen, ohne miteinander Kontakt aufgenommen zu haben, den gleichen Weg ein, doch die virtuos hingepinselten Schnörkel des französischen Meisters ("Montjoie Saint Denis") bleiben stets einer kultivierten Kalligraphie (Schönschrift) verpflichtet, die sein Werk gefälliger, jedoch nicht stärker erscheinen lässt. Das gleiche gilt für Klines europäischen "Doppelgänger" Soulages [Pierre Soulages (geb. 1919): französischer Maler, Autodidakt]. Auch Hartungs [Hans Hartung (geb. 1904): deutsch - französischer Maler, lebt in Paris.] büschelartig aufgezeichnete elegante Bewegungsspuren profitieren von einer routinierten, gefälligen "Schreibweise" des Künstlers, müssen dafür aber auf jene "barbarische Kraft" des amerikanischen abstrakten Expressionismus verzichten. Interessanter sind die Leinwanddurchlöcherungen und - schlitzereien Fontanas [Lucio Fontana (geb. 1899): italienischer Bildhauer, der über weiße Monochrombilder (ab 1946) zu seinem Concetto spaziale ("Raumzeichnung") findet.], dessen Gesten, über die Fixierung von Bewegungsspuren hinausgehend, den Grund mit dem Messer "zeichnen" (im Sinne von "verwunden" ("Concetto spaziale" ; "Ölbild in antikrosa Grundierung mit länglichem Einschnitt" )). Dabei verliert das Leinwandbild seine autonome Eigenräumlichkeit und wird zum Objekt im realen Raum, weil durch die Perforation Hintergrund sichtbar wird.
Deutlichere Unterschiede zum Action - painting amerikanischer Provenienz lassen sich bei den Malern der Cobra - Gruppe[14] feststellen, die sich zwar der unbewußten Schaffensmethode bedienten, von ihr aber bis an den Rand der Gegenständlichkeit treiben ließen. Anläßlich einer Ausstellung solcher schwach figurativer Werke innerhalb des abstrakten Expressionismus tauchte (1951) die Bezeichnung informelle Kunst[15] auf, was die Übersicht über die Kunstrichtungen nicht gerade förderte.
Wie weit und mit welcher Tendenz man sich auf dem Weg von der reinen Handlung (Aktion) bis zu deren Verbildlichung (Gestaltung) weitertreiben lässt, ist von Künstler zu Künstler sehr verschieden. Zwischen den (oft) surreale Effekte auslösenden "Zeichen" von Tapies [Antonio Tapies (geb. 1923): spanischer Maler, der durch tiefe Furchungen sehr dicker Farbschichten fast reliefartige Figurationen erzeugt. Das Bildbeispiel ("Schwarzes Bild") erweckt den Eindruck einer abgezogenen menschlichen Haut.] und Bacons [Francis Bacon (geb. 1910): englischer Maler, Autodidakt, der sich bei seinen figuralen Darstellungen auf seine gefühlsmäßigen Eingebungen verlässt.] "Porträts" lässt sich nur über das Herstellungsprinzip eine Brücke schlagen. Beide folgen ihren unbewußten Eingebungen und überlassen deren Annahme oder Verweigerung dem Gefühl; ebenso verhält sich der Wiener Maler Hundertwasser [Friedensreich Hundertwasser (eigentl. Fritz Stowasser, geb. 1928): Wiener Maler], obwohl bei letzterem auch der Einfluß der Jugendstilkunst Klimts eine nicht zu übersehende Rolle spielt.
"Die schwere Sonne" (Spirale) kreist über Feldern, einer Zwiebelkuppel, einem baum - und kranartigen Gebilde und verschiedenen Gesichtern, die von fensterartigen Rechtecken umschlossen werden. Sicherlich reizt das Bild weniger vom Thematischen als vom formalen Aspekt, wenngleich sich auch verschiedene Assoziationen einstellen sollen.
Auch die Hard - edge - Malerei fand in Europa kongeniale Verfechter. Albers, auf dessen Wirken sie zurückgeht, war selbst Europäer und verwirklichte letztlich nur Bauhausideen, die auch in Europa keineswegs ausstarben. Einen Weg über die interessanten Farbfigurationen der Hard - edge - Malerei hinaus fand dann schließlich der Ungar Vasarely in der Op Art.

Op Art

Farbe ist Licht, wenn man ihre physiologische Wirksamkeit im Auge hat. Da auch das von starkfarbigen Leinwänden zurückgestrahlte Licht nicht einmal annähernd jene Leuchtkraft erreichen kann wie die Lichtquellen selbst, führt die konsequente Entwicklung von den gemalten Farbdemonstrationen Rothkos und der Albers - Schule zu den Licht emittierenden Apparaturen moderner Kunstexperimentatoren.
Dabei gab es Zwischenphasen, die noch ohne selbstleuchtende Elemente auskamen und sich mit optischen Reizwirkungen befaßten, die weniger mit dem Farbphänomen zu tun hatten. Vasarély [Victor Vasarély (geb. 1908): ungarisch - französischer Maler, studierte am ungarischen Bauhaus, übersiedelte 1930 nach Frankreich.] begann mit Schwarzweißkontrasten zu operieren und eröffnete damit ein neues Kapitel der gegenstandslosen Ausdruckskunst, die man Op Art[17] (optical art) nannte. Vasarélys Konzept besteht in der seriellen Verwendung schwarzweißer (später farbiger) Elemente einfachster geometrischer Art, die durch ihren ständigen Wechsel das Auge irritieren. Die stets spürbare Tendenz zur regulären Anordnung wird dabei in bestimmten Zonen gestört, wodurch noch ein zusätzlicher Unruheherd geschaffen wird, der die Monotonie des Bildrasters verhindert ("Metagalaxie" ; "Eridan rouge" ). Dem Künstler gelingt es auf diese Weise, die Bildfläche in "Vibration und Bewegung" zu versetzen, so wie es schon früher der Perspektive gelang, Raum vorzutäuschen.
Sehr bald wurde das Kontrastspiel der Fläche ins Relief übertragen. Der deutsche Künstler Mack [Heinz Mack (geb. 1931): deutscher Objektemacher, beschäftigt sich mit den Problemen der Vibration und des Lichts; lebt in Düsseldorf und in New York.] fand in dünnen Metallfolien ein sehr geeignetes Material, Op - Art - Strukturen in "Lichtreliefs" zu verwandeln, die dem Vorübergehenden ständig wechselnde Lichtreflexe zusenden und "bewegt" erscheinen. Sein größtes Projekt wurde (1969) auf Kosten des deutschen Fernsehens realisiert. Spiegelnde Metall - und Glasobjekte sowie aus aluminiumbedampften Kunststoffolien hergestellte Gebilde wurden von einem Fernsehteam unter afrikanischer Sonne gefilmt ("Künstlicher Garten in der Sahara" ). Die Kosten dafür trug letzten Endes der Fernsehteilnehmer, eine sicherlich zukunftsträchtige Entlohnung für zeitgenössische Kunstexperimente. Die Wirkung dieser "Reflexspiele" in der sonnendurchfluteten Sahara übertraf bei weitem alles bei spärlichem Kunstlicht in Ausstellungen Gezeigte. Mack schuf auch Lichtrotoren, bei denen sich spiegelnde Metallreliefs hinter gewellten Glasplatten drehen, Lichtsäulen, Lichtkarussels u. dgl., die man aber besser schon der Kinetik zurechnet, die allerdings nicht nur auf Lichteffekte spezialisiert ist.

Kinetik[18]

Spezialist auf dem Gebiet der Lichtapparaturen ist Schöffer [Nicolas Schöffer (geb. 1913): in Ungarn gebürtiger, französischer Künstler, der sich seit 1956 mit "Lichtautomaten" beschäftigt.], der bereits Computerschaltungen für seine Raum - Licht - Zeit - Bewegungs - Automaten ausnützt ("Cysp 1").Wegen der starken Intensität selbstleuchtender Objekte tritt nun wieder die Farbe bzw. das farbige Licht in seine Rechte, das bei den Reflexionsobjekten etwas ins Hintertreffen gelangt war. Schöffers Lieblingsprojekt ist der "Tour Schöffer" (47 m in höher als der Eiffelturm). Tag und Nacht sollen 2250 Farbscheinwerfer auf Paris herunterstrahlen und mehr als 2000 Elektronenblitze in den Himmel zucken, von 350 Hohl - und Drehspiegeln verstärkt. Die Kosten dieses gigantischen "Lichtspiels", dessen Trägergerüst auch 15 000 Turmgäste auf sieben Plattformen beherbergen kann, würde sich auf etwa eine halbe Milliarde Schilling belaufen. Interessant ist die Steuerung der Lichteffekte durch Luftfeuchtigkeit, Temperatur, Windstärke und Verkehrslärm, so dass ständig wechselnde Effekte zustande kommen. Darüber hinaus sind für bestimmte Anlässe auch Spezialprogramme vorgesehen (etwa zum Nationalfeiertag ein Erstrahlen in den Farben der Trikolore usw.). Es ist kaum anzunehmen, dass dieses Projekt Aussicht auf Realisation besitzt, weniger aufwendige des Meisters wurden jedoch schon installiert.
Eine andere Art von Kinetik repräsentieren die Pseudomaschinen Tinguelys [Jean Tinguely (geb. 1925): in der Schweiz geborener und in Paris tätiger Künstler]. Seine Bewegungskunst ist eine Art Horrortechnik. Schäbige, verrostete, rasselnde und stampfende "Schrottgebilde" vollführen unnötige Bewegungen und Handlungen, wofür mit großer Wahrscheinlichkeit die ironische Einstellung des Künstlers gegenüber der Technik verantwortlich zu machen ist ("Clochette" ). Tinguelys berühmtestes Werk, die (1960 für das Museum of Modern Art in New York geschaffene) "sich selbst zerstörende Maschine" entfesselte einen Skandal. Angesichts der Demonstration ästhetischer, nutzloser Maschinen sollte sich die Frage stellen, was an unserer Technik tatsächlich von Nutzen ist und wieviel schon produziert wird, um uns ästhetische (nicht nur visuelle) Sensationen zu liefern.

Der Phantastische Realismus

Karin Thomas

Die Wende von der Tradition zur Moderne

Der Expressionismus (1885 - 1930)

Ursprünge des Expressionismus

Sensualistischer Expressionismus

Die Pariser "Fauves"

Die "Peintres maudits"

Die Dresdner "Brücke"

Synästhetischer Expressionismus

Nachklänge des Expressionismus

Der Kubismus (1907 - 1915)

Präkubismus

Analytischer Kubismus

Entstehung der Collage

Sythetischer Kubismus

Orphischer Kubismus

Kubische Plastik

Der Realismus (1920 - 1933)

Die Neue Sachlichkeit

Faschistischer Realismus des Dritten Reiches

Sozialistischer Realismus

Tendenzen moderner Kunst

Die Dada - Bewegung

Der italienische Futurismus

Dada

Zürich - Dada

Die New Yorker Dada - Bewegung um Duchamp

Dada in Berlin, Hannover und Köln

Neo - Dada

Techniken der Materialkombination

Identifikation von Kunst und Idee

Aktionen und Räume

Environment

Typografisch - lettristische Bildpoetik

Der Surrealismus

Pittura Metafisica

Manifestationen des surrealistische Programms

Automatismus

Die paranoische Geisteskritik

Mythischer Surrealismus

Phantastischer Realismus

Surreale Konstruktion

Die abstrakte Kunst

Grundlagen

Reduktive Abstraktion

Die russischen Wegbereiter einer gegenstandslosen Kunst

Suprematismus

Begründung des Konstruktivismus

Anfänge einer kinetischen Kunst

Die Stijl - Bewegung

Das Bauhaus

Konkrete Abstraktion

Konstruktive Abstraktion

Die chromatische Farbfläche des Hard - Edge

Signalkunst

Ars accurata

Op Art

Licht - Bewegung - Raum

Minimal Art und Land Art

Dynamik der offenen Geometrie

Lyrische Abstraktion

Der Malprozeß als spontane Intuition

Kalligrafische Abstraktion

Farbgestische Abstraktion

Abstraktion der genetischen Figuration

Magische Abstraktion

Semantische Abstraktion

Artifizielles Informel

Die Vermittlung zwischen Struktur und Sensibilität

Die expressiv - abstrakte Plastik

Neue Figuration

Genese der Pop Art

Amerikanische Hard - Core - Pop Art

Englische Pop Art

Engagierte Post - Pop Art und Neuer Realismus

Magischer Realismus

Neue Tendenzen des Sozialistischen Realismus in der DDR

Hyperrealismus

Kunst als politisches Engagement

Idee als Kunst

Concept Art

Prozeßdemonstration

Distanz durch Ironie

Idee - Licht - Zeichen

Individuelle Mythologie

Spurensicherung

Bilder

Epoche	Sign.	Diak.	Nr	Name	Vorname	Titel	Jahr	Bem
		Verm1	21	Albers	Josef	Huldigung an das Quadrat: Grüner Duft	1963
		Verm1	40	Arman		Tanto tiene tanto vale	1960
		Verm2	16	Beckmann	Ernst	Der verlorene Sohn (55)	1949
		Verm3	5	Bellotto		Das kaiserliche Kustschloß Schönbrunn	1759/60
		Verm1	26	Bill	Max	Feld mit zwei weißen und zwei schwarzen Zentren
		Verm1	42	Blake	Peter	Little Lady Luck	1965
		Verm2	22	Boccioni		Die Straße dringt ins Haus ein	1911
		Verm1	38	Botero	Fernando	Präsident	1966
		Imp1	1	Boudin	Eugene	Der Strand von Trouville		Himmel; 1824 - 1898
		Verm1	13	Braque	Georges	Flasche und Zeitung	1911
		Verm2	3	Bruce	Naumann	Elliptical Space	1972
		Verm2	47	Caravaggio	David mit dem Haupt des Goliath	1605 (um)
		Verm1	12	Carrá	Carlo	Stilleben mit Siphon	1914
		Verm3	3	Carriera	Rosalba	Mädchenbildnis
		Imp1	2	Cassatt	Mary	Nähende Frau		Impression. in Amerika; 1844 - 1926
		Imp1	3	Cezanne	Paul	Das Haus des Gehängten, Auvers - sur - Oise
		Imp1	4	Cezanne	Paul	L'Estaque: Ansicht der Bucht von Marseille
		Imp1	5	Cezanne	Paul	Die blaue Vase
		Imp1	6	Cezanne	Paul	Frau mit Kaffekanne
		Imp1	7	Cezanne	Paul	Die Kartenspieler
		Imp1	8	Cezanne	Paul	Badende
		Imp1	9	Cezanne	Paul	Stilleben mit Zwiebeln
		Verm2	27	Cézanne	Paul	Mont Saint Victoire	1885 - 87
		Verm1	6	Chagall	Marc	Das bäuerliche Leben	1925
		Verm1	18	Chirico	Giorgio de	Beunruhigende Musen	1916
		Verm1	34	Cote	Alan	White Painting	1969
		Verm2	36	Courbet		Kornsieberinnen	1851 (nach)
		Verm1	29	Cruz - Diez	Carlos	Physichromie	1970
		Verm2	15	Dalí	Salvador	Die brennende Giraffe	1935
		Verm1	17	Dalí	Salvador	Geburt der flüssigen Wünsche	1932
		Verm2	49	David		Der Schwur der Horatier	1784
		Verm2	33	Degas	Edgar	Ballett auf der Bühne
		Imp1	10	Degas	Edgar	Die Familie Bellelli		1834 - 1917
		Imp1	11	Degas	Edgar	Die Ballettstunde
		Imp1	12	Degas	Edgar	Absinth
		Imp1	13	Degas	Edgar	Der Star oder die Tänzerin auf der Bühne
		Imp1	14	Degas	Edgar	Die Büglerinnen
		Imp1	15	Degas	Edgar	Die Wanne
		Verm2	38	Delacroix		Die Freiheit auf den Barrikaden
		Verm1	8	Delaunay	Robert	Propeller	1923
		Verm1	14	Duchamp	Marcel	Die Neuvermählte von ihren Junggesellen entkleidet	1915 - 23
		Verm1	15	Ernst	Max	Deux figures ambigues	1919/20
		Verm1	10	Feininger	Lyonel	Architektur II	1921
		Verm2	39	Fendi	Peter	Der Brezelbub
		Verm1	32	Fontana	Lucio	Ölbild in antikrosa Grundierung mit länglichem Einschnitt	1962
		Verm2	40	Friedrich	Caspar Daniel	Zwei Männer, den Mond betrachtend (11)	1818
		Verm2	7	Fuchs	Ernst	Die Hochzeit des Einhorns (75)	1952/60
		Verm2	28	Gauguin	Paul	Die Geburt	1896
		Imp1	16	Gauguin	Paul	Gelbe Heuhaufen oder Die goldene Ernte		1848 - 1903
		Imp1	17	Gauguin	Paul	Die Mahlzeit
		Imp1	18	Gauguin	Paul	Frauen von Tahiti oder Am Strand
		Imp1	19	Gauguin	Paul	Selbstportrait
		Imp1	20	Gauguin	Paul	Vairumati
		Verm1	49	Gertsch	Franz	Medici	1971
		Verm2	29	Gogh	Vincent van	Die Kirche von Auvers	1889
		Imp1	40	Gogh	Vincent van	Selbstbildnis	1889
		Imp1	41	Gogh	Vincent van	Van Goghs Zimmer in Arles	1889
		Imp1	42	Gogh	Vincent van	Der Mittagsschlaf oder Die Siesta
		Verm3	4	Goya		Die Erschießung von Aufständischen am 3.Mai 1808	1809
		Verm1	46	Hamilton	Richard	Swinging London 67	1968
		Verm2	10	Hundertwasser	Friedensreich	Die schwere Sonne	1964
		Verm1	36	Hundertwasser	Friedensreich	Sonne und spiraloide Epoche über dem Roten Meer	1960
		Verm2	8	Hutter	Josef	Die fliegende Gärtnerin
		Verm1	48	Indiana	Robert	Love	1968
		Verm2	41	Ingres		Bildnis der Mademoiselle Riviéra	1805
		Verm2	4	Jiri	Kolár	Visuelle Bildgedichte (142)
		Verm1	9	Kandinsky	Wassily	Im Blau	1925
		Verm2	25	Kirchner	Ernst Ludwig	Selbtbildnis mit Modell
		Verm1	3	Kirchner	Ernst Ludwig	Der Knabe mit dem Vogel	1918/19
		Verm1	43	Kitaj	R.B.	Erie shore	1966
		Verm2	13	Klee	Paul	Zwitschermaschine	1922
		Verm1	7	Klee	Paul	Burg und Sonne	1928
Jugendstil	D1?	Verm2	30	Klimt	Gustav	Der Kuss	1908
		Verm2	24	Kokoschka	Oskar	Stilleben mit totem Hammel
		Verm2	34	Leibl		Das ungleiche Paar (23)	1877
		Verm2	6	Lichtenstein	Roy	Whamm! (78)	1963
		Verm1	47	Lichtenstein	Roy	M - Möglicherweise (Bild eines Mädchens)	1965
		Verm1	42	Lindner	Richard	Disneyland	1965
		Verm1	25	Lohse	Richard Paul	Sechs vertikale systematische Farbreihen mit gelbem Quadrat rechts oben	1967/68
		Verm1	33	Louis	Morris	While	1960
		Verm2	9	Mack		Künstlicher Garten in der Sahara (72)	1969
		Verm1	20	Magritte	René	La corde sensible	1955
		Verm1	24	Malewitsch	Kasimir	Kopmpostion	1919
		Imp1	21	Manet	Edouard	Portrait der Madame et Mademoiselle Auguste Manet
		Imp1	22	Manet	Edouard	Das Frühstück im Freien
		Imp1	23	Manet	Edouard	Olympia
		Imp1	24	Manet	Edouard	Der Balkon
		Imp1	25	Manet	Edouard	Am Strand
		Imp1	26	Manet	Claude	Klatschmohn		1840 - 1926
		Imp1	27	Manet	Claude	Die Brücke am Argenteuil
		Imp1	28	Manet	Claude	Bahnhof in St - Lazare
		Imp1	29	Manet	Claude	Rue Montorgueil: Fest d.30.Juni	1878
		Imp1	30	Manet	Claude	Die Kirche in Vetheuil
		Imp1	31	Manet	Claude	Frau mit Schirm nach links gedreht
		Imp1	32	Manet	Claude	Die Kathedrale in Rouen (grauer Tag)
		Imp1	33	Manet	Claude	Die Kathedrale in Rouen (helles Sonnenlicht, ...)
		Imp1	34	Manet	Claude	Blaue Seerosen
		Verm2	19	Marc		Pferde und Adler	1912
		Verm2	1	Martin	Etienne	Der Mantel	1962
		Verm2	11	Mathieu	Georges	Montjoie Saint - Denis
		Verm1	2	Matisse	Henri	Luxus	1907
		Verm2	18	Miró	Joan	Frauen und Vogel im Mondschein	1949
		Verm1	19	Miró	Joan	Person, einen Stein nach einem Vogel werfend
		Verm2	17	Mondrian	Piet	Tableau I	1921
		Verm1	23	Mondrian	Piet	Broadway Boogie - Woogie	1942/43
		Verm2	26	Munch		Melancholie (45)	1901
		Verm1	5	Nolde	Emil	Blumengarten	1919
		Verm2	2	Panamarenko	Luftschiff	1970/71
		Verm2	5	Pearlstein	Zwei Akte (88)	1972
		Verm2	12	Picasso	Pablo	Die Mandoline	1914
		Verm2	14	Picasso	Pablo	Weinende Frau	1937
		Verm2	21	Picasso	Pablo	Die drei Musikanten	1921
		Verm1	11	Picasso	Pablo	Flasche, Glas und Geige	1913
		Verm2	23	Picasso	Pablo	Seiltänzerfamilie	1905 (um)
		Imp1	35	Pissarro	Camille	Junges Mädchen mit Stock		1830 - 1903
		Imp1	36	Pissarro	Camille	Frauen in einem Obstgarten, Frühlingssonnenschein auf der Wiese in Eraguy
		Imp1	37	Pissarro	Camille	Der Hafen von Rouen
		Verm1	35	Poons	Larry	Fliegender	1967
		Verm1	41	Rauschenberg	Robert	Windward	1963
		Verm1	37	Raysse	Martial	Snack	1964
		Verm1	28	Reinhardt	Ad	Red Painting	1952
		Verm2	42	Rembrandt		Ausschnitt aus der Nachtwache (114)	1642
		Verm2	43	Rembrandt		Das kleine Selbstbildnis	1656/58
		Verm2	32	Renoir		Le Moulin de la Galette	1876
		Imp1	38	Renoir	Pierre - Auguste	Le Moulin de La Galette
		Imp1	39	Renoir	Pierre - Auguste	Aufwärtsführender Pfad durch hohes Gras
		Verm3	6	Reynolds		Elisabeth Delme und ihre Kinder	1792 (vor)
		Verm1	44	Rosenquist	James	Scheuklappen	1968/69
		Verm2	20	Rousseau		Selbstbildnis mit Palette
		Verm2	46	Rubens	Paul	Raub der Töchter des Leukippos	1618 (um)
		Verm2	45	Ruisdael	Jacob	Der große Wald	um 1655
		Verm1	4	Schmidt - Rotluff	Karl	Mond im Dorf	1924
		Verm1	16	Schwitters	Kurt	Merzbild 15A (Das Sternenbild)	1920
		Verm1	1	Signac	Paul	Die roten Türme	1913
		Imp1	43	Sisley	Alfred	Schnee in Louveciennes		1839 - 1899
		Verm2	35	Spitzweg	Karl	Zweierlei Reisen
		Verm1	39	Spoerri	Daniel	Roberts Tisch	1961
		Verm1	30	Stael	Nicolas de	Figur am Meerestrand	1952
		Verm1	27	Stella	Frank	Gray scramble single	1968
		Verm1	31	Tàpies	Antonio	Schwarz mit rotem Streifen	1963
		Verm1	50	Thek	Paul	Arche, Pyramide	1970
		Verm2	31	Toulouse - Lautrec	Jane Avril	1893
		Verm2	48	Troger	Paul	Heiliger Sebastian
		Verm1	22	Vasarely	Victor	Eridan rouge	1957/64
		Verm2	44	Velazquez		Infantin Margarete Teresa In	1659
		Verm3	1	Vermeer		Der Maler in seinem Atelier (116)	1665
		Verm2	37	Waldmüller	Reisigsammler im Wienerwald	1855
		Verm3	2	Watteau		Ausschnitt aus der Einschiffung nach Kythera	1717
		Verm1	45	Wesselmann	Tom	Bedroom Painting 13	1969
		Verm1	30	Wols		Komposition	1947

Materialverzeichnis:
23. April 1996

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Register

23. April 1996

Literaturverzeichnis

23. April 1996

Wagner, Monika: Moderne Kunst. Das Funkkolleg zum Verständnis der Gegenwartskunst. Rowohlt, Reinbek bei Hamburg 1991. 2 Bde. (rowohlts enzyklopädie 516+517)

[ ]¹Salon: damals die bedeutendste, alljährlich in Paris stattfindende Kunstaustellung.
[2] In der Pastelltechnik werden die Farben mit Pastellstiften (von ital. pasta = Teig, den man zu Röllchen knetet) auf rauhes Papier aufgetragen. Sie erlaubt ein sehr rasches Arbeiten, wobei die Farben duftig und leicht auf dem Untergrund sitzen. Leider lassen sie sich dort nur schwer fixieren, ohne stark an Wirkung zu verlieren.
[3] Der Name Fauvisten stammt von einem Kunstkritiker, der beim Anblick einer der Renaissance nachempfundenen Bronzefigur, die sich zufällig in der Ausstellung der jungen Künstler befand, ausrief: "Donatello parmi les fauves" (Donatello unter den wilden Tieren).
[4] Sezession: Abspaltung einer Künstlergruppe von einem bestehenden, der Tradition verhafteten Künstlerverband. Die Bezeichnung ist jedoch nur im deutschen Sprachraum üblich. Die erste "Sezession" entstand in München (1892), Wien folgte 1897 unter der Führung von Klimt, dann Berlin (1899).
⁵Action - painting: Name für Malaktionen, die keiner (vorgestellten) Formkonzeption zustreben, sondern im Bereich des (unbewußten) Machens verbleiben wollen, wurde erstmals 1952 von einem amerikanischen Kunstkritiker (Harold Rosenberg) verwendet. In Europa bürgerte sich dafür die Bezeichnung "Tachismus" (von frz. la tache = Fleck) ein, die - da sie das Endergebnis, die "Befleckung" des Malgrunds, in den Mittelpunkt stellt und nicht den Malprozeß - weniger zutreffend ist. Auch der Ausdruck "abstrakter Expressionismus" ist gebräuchlich.
[6] Fumage: Die Brandcollage wurde 1937 von Wolfgang Paalen erfunden, der mit einer Kerzenflamme Rußspuren auf bereits bemalte Papiere "zeichnete" und sie in einem weiteren Malvorgang einbezog. Ein anderes Verfahren benutzte Johannes Schreiber, der angesengtes Papier und teilweise verkohlte Holzstücke zu Collagen montierte.
[7] Décollage: Destruktive Veränderung von Materialien und Gegenständen durch Abreißen von Schichten vielfach aufeinandergeklebter Plakate, chemisches Verwischen von Fotografien, Übermalen von Bildern, Zusammenpressen von Metallgegenständen verschiedener Art. Im Endprodukt der zerstörenden Décollageaktionen ist die ehemalige Zweckbestimmung der Ausgangsobjekte oder - materialien zugunsten der bloß ästhetisch anregenden Aktionsspuren nahezu völlig ausgeschaltet. Hauptvertreter: Mimmo Rotella, Raymond Hains, Wolf Vostell und eine Zeitlang (mit seinen "Übermalungen") der Wiener Arnulf Rainer.
[8] Neo - Dada - Bewegung: Sie setzt in den fünfziger Jahren ein und wollte mit der bereits im Dadaismus vollzogenen Emanzipation von den in der traditionellen Kunst sanktionierten Materialien und - herstellungspraktiken eine Annäherung von Kunst und (banaler) Lebenswirklichkeit herbeiführen. Sie entwickelte aber weit über Burris Sackcollagen hinausgehende Darstellungsformen, wie Combine - painting, Objektkunst, Environment, Assemblage, die ebenso wie das bereits von Schwitters projektierte Happening später zur Sprache kommen.
[9] Die malerische Palette enthält warme und kalte Farben. Je näher eine Farbe dem Orangerot bzw. dem Blaugrün steht, desto wärmer bzw. kälter erscheint sie. Wärmere Farben erwecken den Eindruck, näher zu sein als im gleichen Abstand befindliche kältere Farben (Farbraum).
[10] Abstrakter Expressionismus: Die Wurzeln dieser emotional abstrakten Malerei reichen bis zum Frühwerk Kandinskys zurück, die wesentlichen Impulse gab jedoch der Surrealismus mit seinem Streben nach "Automatismus". Der Ausdruck "abstrakter Expressionismus " wurde zwar schon in den zwanziger Jahren verwendet, bürgerte sich jedoch erst kurz nach dem Zweiten Weltkrieg in Amerika für jede auf Gegenständlichkeit verzichtende und Ausdruckswirkung anstrebende Malerei ein.
[11] Hard edge (wörtlich harte Kante) bezeichnet (seit 1958) eine abstrakte Malerei, in der die Farben voneinander klar abgesetzt und flächig (ohne Schwankungen im Tonwert) zumeist innerhalb geometrischer Figurationen aufgetragen werden. Vorbereitet wurde die Hard - edge - Malerei durch die Buntpapierschnitte des greisen Matisse (gest. 1954), außerdem wurde sie durch die Erfindung neuer Farben auf Kunstharzbasis (Acrylfarben) begünstigt.
[12] Joseph Albers (geb. 1888): deutscher Maler und Meister am Bauhaus in Dessau. Nach seiner Emigration in die USA als Lehrer tätig, Farbtheoretiker.
[13] Ad Reinhard (1913 - 1967): amerikanischer Maler
[14] Cobra - Gruppe: kurzlebige Künstlervereinigung (1948 - 1950) aus KOpenhagen, BRüssel und Amsterdam stammender Künstler (Asger Jorn, Karel Appel, Corneille und Pierre Alechinsky).
[15] Informelle Kunst: Sammelbezeichnung für einige abstrakte Kunstrichtungen, die sich von der geometrischen Abstraktion abheben. Neben dem Action - painting und dem Tachismus muss ihr auch die Art brut¹⁶zugerechnet werden. Die informelle Kunst beherrschte in den fünfziger und frühen sechziger Jahren die internationale Kunstszene.
[17] Die Op Art bringt auf einer (meist) geometrischen Grundstruktur wechselnde Helldunkel - und Farbeffekte zur Anschauung. Sie bedient sich dabei physikalischer Farbwirkungsgesetze, der Wahrnehmungspsychologie und der Informationstheorie. Mit dem (bewegt erscheinenden) Flimmereffekt schuf sie ein neues Illusionserlebnis. Anregungen zur Op Art gingen vom Suprematismus, der De - Stijl - Bewegung und vom Bauhaus aus. An die gemalte Op Art, die nach 1950 auf Dekor und Design einen bedeutenden Einfluß ausübte, schließt sich eine skulpturale kinetische Op Art an, die mit spiegelnden oder selbstleuchtenden Objekten operiert.
[18] Kinetik: Die kinetische Kunst (von griech.: kinein = in Bewegung setzen) geht, auf Bestrebungen futuristischer und dadaistischer Künstler zurück, mit Hilfe von bewegten Objekten "Zeit" und "Veränderung" in die künstlerischen Gestaltungsprinzipien einzubeziehen. Duchamp beschäftigte sich schon 1920 mit spiralig gemusterten rotierenden Scheiben (Rotoreliefs), und auch am Bauhaus experimentierte man mit kinetischen (Licht - )Apparaturen. Nach 1950 machte sich die Kinetik, die die Statik der traditionellen Skulptur überwinden will, stärker bemerkbar und differenzierte ihr Programm.

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